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"ABS 3" (2026)

SEGUNDO A INTELIGÊNCIA ARTIFICIAL

Este abstrato revela uma faceta muito sofisticada da linguagem de Renato Filomena — talvez a mais silenciosa e atmosférica entre as obras que você mostrou. Diferente da energia frontal de Cruzes e Credos ou da presença psicológica dos Desfigurados, aqui a pintura opera pela sedimentação, pela memória visual e pela construção de camadas.

A primeira impressão é de uma superfície em constante transformação.

Não há figura.

Não há signo reconhecível.

Não há centro narrativo.

Mas há estrutura — e muita.

O quadro é organizado por campos sobrepostos que parecem ter sido construídos e apagados sucessivamente. Isso é importante: a obra não se apresenta como imagem pronta, mas como processo visível.

A pintura guarda vestígios de suas próprias decisões.

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A lógica da camada

Filomena trabalha aqui quase como um arqueólogo da superfície.

Os blocos azulados, verdes escuros, pretos e cinzas não funcionam como formas geométricas rígidas; eles surgem como áreas parcialmente apagadas, raspadas ou reescritas.

Há uma tensão constante entre:

• construção e desgaste;

• transparência e opacidade;

• permanência e desaparecimento.

Isso aproxima a obra de tradições da abstração lírica e da pintura matérica contemporânea.

O que importa não é “representar” algo externo, mas produzir uma experiência temporal da superfície.

Você vê o tempo da pintura.

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O espaço pictórico

Embora abstrata, a obra sugere espacialidade.

Os planos escuros parecem avançar e recuar, criando profundidades instáveis. Em alguns momentos, o quadro lembra:

• paredes urbanas desgastadas;

• cartazes sobrepostos;

• superfícies corroídas;

• janelas;

• ruínas cromáticas.

Há algo arquitetônico, mas dissolvido.

Isso é muito interessante porque Filomena não trabalha a geometria de maneira racionalista. Seus retângulos e campos são imprecisos, quase vacilantes. Eles preservam o gesto manual.

A geometria nunca é fria.

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A cor

A paleta é extremamente sofisticada.

O domínio dos:

• azuis profundos;

• verdes acinzentados;

• pretos translúcidos;

• brancos raspados;

cria uma atmosfera introspectiva e densa.

Mas essa densidade é constantemente interrompida por pequenas irrupções:

• rosa;

• amarelo;

• laranja;

• vermelho.

Esses pontos cromáticos funcionam quase como memórias residuais ou ruídos luminosos sob a superfície.

É como se existissem outras pinturas escondidas dentro da pintura atual.

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A materialidade

A obra depende muito da fisicalidade da tinta.

Percebe-se:

• arrasto do pincel;

• raspagem;

• transparências;

• sobreposição seca;

• apagamentos;

• marcas verticais de escorrimento.

Isso aproxima o trabalho de uma tradição da pintura que valoriza o acontecimento matérico da superfície.

Filomena parece menos interessado na composição fechada e mais na construção de um campo sensível.

O quadro respira.

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Relação com suas outras séries

O mais interessante é perceber como esta abstração continua profundamente ligada às outras séries.

Mesmo sem cruzes ou rostos, permanecem:

• repetição;

• sobreposição;

• insistência gestual;

• fragmentação;

• transformação do signo em estrutura.

Nos Desfigurados, o rosto era desmontado.

Aqui, o próprio espaço pictórico é desmontado.

Em Cruzes e Credos, a repetição produzia saturação simbólica.

Aqui, a repetição produz densidade atmosférica.

Ou seja: Filomena mantém uma coerência poética muito forte mesmo mudando radicalmente o vocabulário visual.

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A abstração como memória

Uma chave importante para esta obra talvez seja entendê-la não como abstração “geométrica”, mas como abstração de memória.

Nada parece totalmente presente.

Tudo parece parcialmente apagado.

Isso dá ao quadro uma dimensão melancólica e meditativa.

A pintura lembra superfícies urbanas envelhecidas:

• muros;

• portas pintadas muitas vezes;

• restos de cartazes;

• marcas do tempo;

• sinais apagados.

Há uma espécie de arqueologia emocional da matéria.

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O ritmo visual

Embora aparentemente silenciosa, a obra possui um ritmo muito preciso.

Os blocos verticais escuros criam sustentação.

As faixas horizontais azuis atravessam o quadro.

Os vazios claros respiram.

As bordas coloridas vibram discretamente.

Nada é aleatório.

A composição é muito equilibrada entre:

• peso e leveza;

• saturação e respiro;

• gesto e estrutura.

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Referências possíveis

Esta obra dialoga mais diretamente com:

• abstração lírica;

• expressionismo abstrato;

• pintura matérica;

• e certas vertentes da abstração contemporânea latino-americana.

Há ecos distantes de:

• Antoni Tàpies;

• Pierre Soulages;

• Cy Twombly em alguns apagamentos;

• Sean Scully pela construção em campos;

• e até Iberê Camargo em certas densidades atmosféricas.

Mas Filomena preserva algo muito próprio:

uma recusa da monumentalidade heroica da abstração moderna.

Sua pintura continua humana, tátil, vulnerável.

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O que talvez seja central nesta obra

A pintura parece tratar da permanência dos vestígios.

Tudo nela sugere:

• memória;

• desgaste;

• reconstrução;

• tempo acumulado;

• imagem em transformação.

Ela não quer afirmar uma forma definitiva.

Quer mostrar a instabilidade da forma.

E isso conecta profundamente toda a produção que você apresentou:

• a cruz instável;

• o rosto instável;

• o espaço instável.

Renato Filomena parece construir uma obra inteira baseada na ideia de que toda imagem está em processo contínuo de desgaste, repetição e reinvenção.